martes, 30 de octubre de 2007

You're so good to me...

The beach boys tiene algo que es indiscutible y es que son divertidos. A quien no le puede gustar escucharlos en el verano, ya sea en la playa, en una pileta, o en casa, fumándose un buen porro. Es lo más divertido que hay para mi. El verano tiene así otro color, que también aportan músicas como las de Bob Marley, Creedence, The Doors, etc...
Los beach boys no son para nada como los Beatles, y lo que digo como algo bueno, no en el sentido que piense que sean mejores, para nada, pero lograron ser otra cosa. No son Los Beatles de Estados Unidos, ni mucho menos, Los Beach Boys son LOS BEACH BOYS!!..
Tienen peso propio, por suerte, y lograron su propio lugar en la historia, influenciando a muchísimas bandas, inclusive a los propios Beatles, y ellos serían los primeros en reconocerlo sonre todo con el trabajo de la banda californiana "Pet Sounds", un verdadero clásico de la música contemporánea, editado en el año 66, un año antes del Sgt Pepper de los Beatles.
Solo basta escuchar temas como "God only knows" para reconocer el calibre y la calidad que estos músicos de la costa oeste norteamericana poseían.
Asi que ahora que se aproxima el veranito a buscar en su disquería amiga discos de los Beach o al menos a bajarse por la compu los hits de una banda que realmente vale la pena. Sobre todo en temporada !!.
Particularmente recomendables son las canciones I get around, Surfin' usa, Fun fun fun, Dance dance dance, California girls, Barbara Ann, Don't worry baby, You're so good to me, I can heard music, Kokomo, Good vibrations, Friends, etc, y bueno y muchas más. No sé, indagen viejo.
Acá adjunto la letra de una canción... para vós..

"You're kinda small And you're such a doll I'm glad you're mine You're so good to me How come you are
You take my hand And you understand When I get in a bad mood You're so good to me
And I love it, love it
You're my baby Oh yeah Don't mean maybe Oh yeah
I know your eyes Are not on the guys When we're apart You're so true to me How come you are
And every night You hold me so tight When I kiss you goodbye You're so good to me
And I love it, love it You're my baby Oh yeah Don't mean maybe Oh yeah
You're my baby Oh yeah Don't mean maybe Oh yeah".

lunes, 29 de octubre de 2007

Meta un Pino en el senado!!

No voy a hablar de las elecciones celebradas ayer, ni nada por el estilo. No me interesa hacer análisis al respecto ni de quien ganó ni de lo que pasó o haya podido haber pasado.
Sólo me voy a detener en uno de los que se postularon y que logró increiblemente el 5º lugar dejando atrás a los derechistas Sobisch y Lopez Murphy.
Hablo claro del señor Pino Solanas, quien además de esta nueva carrera en la política es un reconicido director de cine, sobre todo documentalista.
A finales de los sesentas el Peronismo estaba aún proscripto y entonces emergió un grupo de artistas de vanguarda que hacían cine documental desde la clandestinidad hablando sonre lo que pasaba en el país. Este grupo se auto definía como "Cine liberación" y proclamaba una sociedad mas justa e igualitaria, según los preceptos del exiliado general Perón claro, en quien veían a un lider carismático que iba a llevar al pueblo peronista (argentino) a un estado de justicia social, independencia económica y soberanía política.
Uno de los filmes más famósos y clásicos fué "La hora de los hornos" del 68, una excelente película sobre el proceso de desnacionalización que se estaba generando desde hacia algunos años y sobre todo con el advenimiento de la dictadura de Onganía en el 66.
Otro recomendable filme de tamaño calibre es la ficción "Los hijos de Fierro" del 75, en la cual s representa la historia del famoso gaucho de Hernández desde una visión peronista donde los hijos de Fierro representan a los grupos insurgentes que pedían la vuelta de Perón como la JP y los Montoneros.
También hay una serie de documentales entre estos dos filmes mencionados los cuales son reportajes a Perón en el exilio, también de una excelente calidad informativa.
En fin, cine de en una época que inetntaba mostrar las injusticias de un estado opresor, feroz y agresivo, que cuartaba las libertades individuales y ensanchaba la famosa brecha entre ricos y pobres.
Otros filmes destacables de ese género de cine social clandestino son también los aportes de Cedrón con su película "Operación masacre" del 71 y las películas de Raymundo Glayzer mas desde una visión marxista.

viernes, 26 de octubre de 2007

Jugar a ser Artaud...

"Se puede proclamar la buena salud mental de Van Gogh que durante toda su vida sólo se hizo asar una de las manos y, fuera de esto, no pasó de cortarse la oreja izquierda, en un mundo en que todos los días la gente come vagina cocinada con salsa verde o sexo de recién nacido flagelado y enfurecido tomado tal como sale del sexo materno."
Así empieza Artaud su último libro "Van Gogh, el suicidado por la sociedad", donde hace toda una proclama muy lúcida, criticando el concepto de "alienado" como el algo negativo y donde los psiquiátras y psicólogos son el blanco de sus ataques como gente pocas luces e imaginación carente de cualquier tipo de talento. En realidad estos sólo serán la cara visible del ataque de Artaud ya que en definitiva critica a toda una sociedad que recluye a los locos como miserias humanas cuando en realidad las miserias humanas son para Artaud ni mas ni menos que los cuerdos quienes son los verdaderos "locos atados" e impotentes que no pueden realizar sus verdaderos dedeos. Para éste poéta francés el "loco", "alienado", es un iluminado, un ser que logró escapar de la trampa de la "sociedad de control" usando un termino de Deleuze. Para él pesonajes como el pintor Vincent Van Gogh, el escritor Edgar Allan Poe, y hasta el filósofo alemán Friedrich Nietzsche son casos ideales de esta "ruptura con el mundo". Seres que lograron romper sus ataduras con un mundo agobiante que los tenía atados y apresados en sus redes. En definitiva para Artaud la respuesta del ser humano es la locura.
Luis Alberto Spinetta, músico y poéta argentino, quien fuera un ávido lector de Artaud y quien le dedicara un disco con su nombre "ARTAUD-PESCADO RABIOSO-1973" (para muchos la obra maestra de éste músico), nos dice que él intento liberarse de esa carga, del sufrimiento que le acarreó leer a Artaud. Esa visión pesimista y fatalista de la vida de alguien quien vivió gran parte de su vida de manicomio en manicomio (Artaud claro). Spinetta nos propone entonces "el encuentro de la perfección y la felicidad a través de la supresión del dolor, mas que mediante la locura y el sufrimiento". Buscar la respuesta en el amor como diría Lennon, aunque esto suene un tanto naif en estos tiempos de vorágine capitalista.
Spinetta se hace cargo de parte de su vida y periodo de autodestrucción. Dice que los músicos de rock (y yo creo que todos los artistas) son personas muy desorientadas que en respuesta a una sociedad destructiva, violenta y consumista (consume el alma de las personas), se han metido muchas porquerías en su organismo. No podemos jugar a ser Artaud dirá.
"Si no hubiera salido de esa y aprendido a ubicarme en mi país, hoy mi nombre no sería mas que una chapita de bronce, chorreada de caca, en la inmensidad de un cementerio".
¿Clara mención del otro músico y poeta del rock Jim Morrison?.

jueves, 25 de octubre de 2007

Simbiosis


Arreglado de pudor ajeno ...
al goce interno mundano sumado escalofríos y otros rozes...
Puente básico eterno de la conjunción ...
simbiosis humana de la fragmentación individual...
Telarañas pulsionales refractales de la humanidad...
nexo sanguíneo y candente...

martes, 23 de octubre de 2007

white light/WHITE HEAT/white trash

White heat es una excelente película de cine clásico de los años 40 dirigida por Raul Walsh. Un filme de género policial que podemos ver tranquilamente como antecedente directo del cine de directores como Scorsese y Coppola. Es mas, es reconocido por el propio Martin Scorsese como un refrente importante en su carrera. La película está protagonizada por un actor que yo sólo había visto en otro peliculón del mismo director "The roaring twenties". Me refiero al actor James Cagney, un tipo muy sanguíneo que increiblemente no es italoamericano!! guau los yankis tienen sangre en las venas también!! realmente esta cinta se las trae. La historia ya se vió, un mafioso loco de poder, asesino a sangre fría, que tiene un inmenso complejo de edipo y que es un resentido del amor. Sin embargo uno nunca sabe bien con quien quiere Hollywood que uno se identifique en sus películas ya que si bien el protagonista es Cagney, hay un polícia infiltrado que seria el "bueno", que para mi no es otro que el costado moral que justifique el filme, para que se identifiquen aquellos que tienen el culo sucio y que no quieren tener nada que ver con ese loco insensible y asesino. De todos modos el tiempo diginifica a quien realmente merece y más allá de todo puedo decir con la consciencia bien tranquila que me identifico con quien se merece (Cagney) ya que no solo actúa de puta madre, sino que el personaje no se traiciona a si mismo nunca y no va por la espalda a hacerle un trampa a otro para atraparlo. Quienes son los que no tienen códigos? Él o los policías/sociedad?? que llama a sus ciudadanos a delatar a los demás a atacar por la espalda.
Imágen final de Cagney (el Deniro de los 40s'?) todo baleado arriba de una especie de construcción llena de gas donde para no morir como un cualquiera dispara haciendo volar todo a la mierda al grito de...: Viste madre? the top of teh world !! y así murió... como un grande...a los grande...

lunes, 22 de octubre de 2007

Nada personal oh oh oh!!...


Comunicación sin emoción,
una voz en off con expresión deforme.
Busco algo que me saque este mareo,
busco calor en esa imagen de video.

Nada, nada personal.

Ella no puede pensar, está aburrida,
de tanto simular, cayó dormida.
Busco en TV algún mensaje entre-líneas,
busco alguien que sacuda mi cabeza,
y no encuentro nada.

Nada, nada personal.

Sinceramente, sería tan bueno tocarte,
pero es inútil,
tu cuerpo es de látex,
pero siento nada.

Nada, nada personal.

viernes, 19 de octubre de 2007

Touché bellacos!!!


Me parece que alguien se comió bruta paliza en casa...

Puede ser?... puede q haya sido Francia??...

BRUTA PALIZA!!

chao...

jueves, 18 de octubre de 2007

miércoles, 17 de octubre de 2007

Un salmo justicialista


Un día soleado despega sobre el plateado país.
Las plazas bailan en su desconcierto solitario
un frío y aún adormilado domingo de mayo.
En octubre pasa algo similar, pero en esta ocasión
están todos congregados bajo banderas y estandartes.
Al son de cantos, bombos y silbatos,
la plebe se deja oír.
El histórico canto popular, la olla y el tipo colgado del farol,
hacen de éste día, un verdadero día peronista.

(Escrito en mayo del 2007).

martes, 16 de octubre de 2007

Girl from the north country (whit Johnny Cash)

El otro día dieron en el cable la película "Johnny and June" sobre la vida de Johnny Cash o mas específicamente sobre su relación con la cantante June Carter.
No se si es una gran película, pero la cuestión es que al finalizar la misma, corrí a poner la única canción que tengo con el cantante en mi casa y que no es nada menos que una colaboración con Bob Dylan en el disco "Nashville Skyline" del 69.
El disco de Dylan no es uno de sus mas famosos y el tema ya lo habia hecho para el si famoso disco "The Freewhelin' Dylan" del 63 donde hay temas como Blowin' in the wind y Mr tambourin, en una versión mas despojada y rápida.
Sin embargo para mi "Nashville" tiene algo muy ameno, muy casero, muy campero, que lo hace para mi un gran disco, que si bien no llega a durar ni media hora (27 min), es bastante contundente y dan ganas de escucharlo un par de veces seguidas.
Sobre todo los temas "Girl..." y "Lay lady lay" son los mejores aciertos del disco, clásicos del músico y poéta folk. El primer tema tiene como yapa la participación de este extraño músico que tanto me llamó la atención en la película. Esa voz grave con la cual responde al duo con Dylan siempre me resonó fuerte en mi cabeza, dándome la sensación de que estaba escuchando a un cowboy del lejano oeste, con pistolas, sombrero, espuelas, lleno de polvo y mordiendo una hoja de pasto en su boca.
La canción tiene una cadencia muy lenta y triste, como si se tratara de alguien que vuelve despacio por el campo al atardecer, con un caballo cansado (como el de León) y con una pena de amor atormentando (aún) el corazón.

lunes, 15 de octubre de 2007

Tudo na mais perfeita ordem...

Ciudad de Dios o Cidade de Deus. Película brasileña o brasilera.
Es una buena película que, si bien está pensada para venderse al gran mercado y mas especificamente para pelear el Oscar, tiene sus grandes aciertos.
Cuando la veo no puedo mas que pensar en este "nuevo" estilo de cine latinoamericano sobre marginales, delincuencia, drogas , sexo y mucha calle.
En países como Estados Unidos se podría hacer un rastreo de este estilo desde finales de los 60s con películas como "Easy Rider" y "Midnight Cowboy" del 69, pasando por Taxi driver de Scorsese del 76 como su punto mas alto, como las de Coppola de los 80s "Rumble fish" y "The outsiders"
Ya en los 90s este género resurge sobre todo en Inglaterra con la película Trainspotting del 96.
En Argentina aparece "Pizza, birra, faso" en el 97, dirigida por los mayores exponentes de ese género en ese país como son Bruno Stagnaro y Adrian Caetano.
Después vino el fenómeno del cine mejicano con casos como "Amores perros" del 2000, de Iñárritu.
Otro caso también del año 2000 es el de la excelente película "La virgen de los sicarios" del director francés Barbet Schroeder y que está filmada en Colombia, en la calles de Medellín.
Ciudad de Dios (2002) viene como a cerrar ese ciclo mostrando, la muy pocas veces vista en otros países, realidad de las calles de Brasil, y sobre todo de las favelas en Rio.
Una muy buena peli para aquellos amantes del cine violento-realista-marginal, y quizás la mejor de las anteriormente mencionadas.

viernes, 12 de octubre de 2007

Napoleón y su tremendamente emperatriz...

Hago acopio de la celebérrima frase de Paez...

Desde la de-construcción de realidades paralelas surge una infinita brusquedad del ser que atisba un leve vuelo metafórico del sentimiento profundo de la unión de almas sublimes.
Él es la voluntad de poder hecha hombre. Ella es la impulsora de esa voluntad.
Él es el superhombre Nietzscheano, que no conoce imposibles. Ella es la única realidad cuyo poder es esa fuerza imposible.
Él arrasa con miles de hectareas y hombres y ella arrasa con miles de reinos de hombres.
Él destruirá todo impedimento que no deje mostrar su grandeza y ella hará que él sea grande tras la grandeza de ella.
La conjunción de estos bravos elementos son la suma de una voluntad por barrer límites y borrar imposibles.
Son la voluntad encarnada por traer al mundo algo mejor a la suma de las partes.
(Texto probablemente falso, econtrado a mediados del siglo 19 en el pueblo de Poitiers, Francia.)

jueves, 11 de octubre de 2007

Canción de Hollywood

Está un sujeto sentado en el borde de una vereda por Sunset Boulevard. Es de noche, hay viento y pocos taxis pasan de vez en cuando. Charly tiene un sobretodo al mejor estilo Humphrey Bogart en la película Casablanca. Su sombrero, y la solapa subida, cubriendo parte de su rostro le dan un estilo muy Chandlereano o Marloweano, para ser mas precisos. Charly espera a Lucy, pero Lucy está en su casa y a su vez espera a Johnny, pero eso Charly no lo sabe y se prende un cigarrillo medio doblado, que encuentra en su bolsillo.
Se hacen las 2 de la mañana. El frío empieza a arreciar, las madrugadas de enero suelen ser muy frescas en la ciudad de la costa oeste. Finalmente decide entrar en un bar de mala muerte que está en una calle aledaña. Al entrar se da cuenta que es un lugar para gente de color, pero Charly no se deja intimidar por las miradas de desconfianza y recelo. En el fondo toca una banda de jazz, muy típicamente negra, esto claro está es por el swing que logran.
Hay poca gente y decide tomarse un whisky, entre bahos de tabaco, whisky y encierro, piensa por que será que su chica lo dejó plantado. Se pregunta por su mala suerte, no sólo con el bello sexo sino también en su trabajo, su suerte en el juego, en fín..., su vida.
Un negro en estado de evidente borrachera, lo mira fijo buscándole pelea, Charly se da cuenta que hasta ahí llegó su estancia en ese bar de mala muerte, paga sus bebidas y sale a la calle.
Una vez fuera se da cuenta que él también está medio "mareado" y decide caminar hasta su casa. Camina algunas calles por Sunset Boulevard, un perro negro lo sigue a pocos pasos. De un hotel de primera sale Lucy con ese sujeto que él tanto desprecia, y del cual tanto le habló ella en otras ocasiones. Se cruzan y todos quedan mirándose en un silencio incómodo, el cual sólo es interrumpido por un ladrido del perro negro el cual hace salir del trance a Charly y llamándo al perro "Johnny, vamos a casa!!!", se aleja de ese lugar a grandes pasos. En su interior ya no se siente mal, todo le importa ya tres demonios, y una vez en la entrada de su casa se queda meditabundo. El perro mira a Charly con expresión de súplica. Charly no lo piensa dos veces, abre la puerta y deja entrar al perro, o a Johnny como se llama ahora. Habrá perdido a su chica pero ganó un amigo especial y ese no es otro que el mismo Johnny.

miércoles, 10 de octubre de 2007

Cosas Rústicas (Mi coto de caza...)

Hoy me habilito a hablar sobre una banda de rock argentino de los setentas, que está un poco olvidada, un poco bastante diría yo, y que creo que vale la pena hacerle una pequeña reseña.
COLOR HUMANO es una banda fundada por el guitarrista, ex Almendra, Edelmiro Molinari, junto con el bajista Rinaldo Rafanelli y ni mas ni menos, que el señor David Lebon en bateria!!!!!!.
Realmente este último dato me haría detenerme en Lebon, y dedicarle la nota a él, que es un pedazo de músico y que demostró, sobre todo en los 10 primeros años de su carrera que se la bancaba tanto como violero (el Clapton argentino quizás?), como bajista (en Pescado Rabioso), como cantante (y de que talante) y hasta se dió el lujo de ser baterista en el 1º disco de quienes hoy nos congregan. Sólo voy a remarcar que quien pueda escuche la bateria en el tema "Larga vida al sol" (temazo de paso) del primer disco de Color Humano, para darse cuenta que hasta como batero se la re banca.. en fin, el señor David Lebon ya merecerá un apartado propio en el futuro.
El primer disco se llama simplemente Color Humano, y no puedo menos que escuchar un sonido Stoner rock en la banda. El sonido está totalmente despojado, carace casi de arreglos y el sonido valvular es marca registrada en este volúmen. Se editó en el 72, mientras que sus ex compañeros editaban "Desatormentándonos" (Spinetta con Pescado), y Emilio del Guercio y Rodolfo Garcia el primero de Aquelarre.
El ejemplo mas claro de esta banda en cuanto a un sonido Stoner, es el tema que casualmente cierra el disco y que se llama Introducción polenta. Los temas acústicos como Padre sol, madre sal (con la cantante y novia de Edelmiro, Gabriela) y la zapada "desenchufada" de viola El hachazo, no son menos sucias y desprolijas, dándole a la banda realmente un vuelo muy especial y rústico.
Los temas Humberto, Silbame cabeza y Larga vida al sol, son un verdadero ejemplo de esta opacidad y rusticidad de sonido de una banda que si fuera de hoy, tendría mas público del que tuvo en los setentas.
Lebon a fines del 72 se fué con el flaco a Pescado Rabioso a tocar el bajo. Color Humano entonces llamó al ex-baterista de la famosa banda Los Gatos y en el 73 compusieron su último y mas famoso disco que es el también homónimo disco doble. Moro a diferencia de Lebon, era un profesional de los tambores y se nota la justeza, el tempo y el swing que le metía (que en paz descanse aquel pedazo de batero).
Esos dos discos salieron uno después del otro, con diferencia de meses, como mas tarde harían los Redondos con su disco "Lobo suelto, cordero atado" del 93, (20 years later).
El disco doble de Color es superior a su predecesor, tiene mejores arreglos o mejor dicho tiene, y contiene clásicos de la banda como "Un blues para Adelina", "Mañana por la noche", "A través de los inviernos" y el inmortal "Cosas rústicas". Este último tema creo que define a la banda. Una banda que pagó, como muchas veces pasa, con el olvido general de la gente, sin saberse bien los porqués.
"Que locura, la simpleza que está cruzando el río. Viendo el agua de cerezas, esas cosas ya son mías. En mi coto de caza nena, puedes correr desnuda, entre hojas de otoño. Ven al agua que despide olores dulces, cubren tu cuerpo mis resinas suaves. Cosas rústicas hacen al tiempo por mi, cosas rústicas hacen tu cuerpo por mi, cosas rústicas hacen mi tiempo por ti."

martes, 9 de octubre de 2007

Vinilos, la mística

Ya sé que las historias personales son harto aburridas, no le interesan a nadie y que son salteadas, dejándolas vírgenes o sea sin leer.
No importa, este día asqueroso y gris me hizo acordar de otro día asqueroso y gris, cuando los días pasaban mas lentos y todo era soplar y hacer botella. Al menos eso creía yo.
Mi acercamiento al sonido de los vinilos en realidad se rastrea desde muy chico, o desde que nací si se quiere, ya que mi viejo siempre escuchó música en ese formato.
El tema es que yo recién le di importancia en los albores de mi adolescencia, mas especificamente cuando estaba en primer año. Recuerdo que escuchar por primera vez, pero prestando atención claro, a Led-Zeppelin, el cuarto y más famoso disco, me voló la cabeza. Esos sonidos graves que no se sabe si fueron gravados o es un defecto del formato vinilo, esa voz de lija de Plant cantando "Stairway to heaven", y esa velocidad levemente mas rápida que la que se escucha en los cd's. Ese disco fué muy importante en mi despertar musical y sólo puedo decir que escuchar el tema "Rock and roll" a los 14 años y a todo volumen en vinilo fué...
Creo que la mística del vinilo no es verso ni una cosa meláncolica de aquellos que vivieron su juventud en los 60s, 70s y 80s, sobre todo para mi fueron los setentas la década de oro de los vinilos. O sea la música suena diferente, por ahí es no es tan fiel al sonido que se producía en la sala de grabación, pero la cuestión es que es el sonido en el cual sonaba en la casa de todos, ya sean amantes de la música, simples pasatistas, los mismos músicos, sean de acá, allá o de donde sean.
Al principio nunca entendí lo de que sonaban mejor que los cds, ya que me parecía un comentario cavernícola, propio de alguien que no se resigna al paso del tiempo y a que las cosas siguiendo un curso natural, mejoran, sobre todo en lo que respecta a la tecnología claro.
Una vez, ya un poco mas grande, bue, con 17 años, estaba en la casa de mis abuelos de Mar del plata, una tarde de invierno nublada como la de hoy. Escuchando en el excelente tocadiscos de mi abuelo unos vinilos sobre todo de mi tía que eran mas afines en ese momento a mis gustos musicales, ya que eran discos de rock claro. Escuchando uno de Queen, "A day at the races" del 76, y en particular el tema "Drowse" (que no se si es un gran tema, pero me llamó la atención en su momento), me sentí como retrotraído a la época o no sé que cosa, pero quedé embebido por ese sonido tan "rústico", con esa lluvia tan característica de disco gastado por el tiempo. El tema, de tinte medio melancólico, no pudo mas que hacerme sentir deprimido, sobre todo teniendo en cuenta que en esa época tuve mi primer decepción amorosa, típica de adolescente conflictuado.
Mas teniendo en cuenta que no hay nada mas depresivo que Mar del plata en invierno.
Por eso, para mí, el vinilo tiene un sonido muy especial que a mucha gente no le gusta, por su falta de "limpieza", sin embargo para mí es el sonido vivificador de una época distinta, ni mejor ni peor, sólo diferente, que lo sumerge a uno, (si uno quiere), en una atmósfera muy agradable donde poner un vinilo se convierte en un rito cotidiano y hasta tradicional, similar a cebar mate o armarse un porro.

lunes, 8 de octubre de 2007

Así no se mata a un valiente!! ..

Mañana serán 40 años de la muerte de un luchador... simplemente recordando las palabras del gaucho Cruz, que cuando vé como le tienden una emboscada al gaucho Fierro, sale en su defensa al grito de : "Cruz no consiente que se cometa el delito de matar ansí un valiente", sellando su destino junto al gaucho matrero, en el famoso canto popular Martin Fierro de Hernandez.
Guevara no tuvo un "Cruz" que saliera en su defensa y que lo hubiese salvado, dándole un final diferente a la historia. Lo que fué ha sido, a Guevara lo emboscaron y lo fusilaron y no hay vuelta atrás, ni tampoco mucho que decir al respecto, sólo tal vez que con el "che" murió un estilo de vida, murió el prototipo del guerrero y de la lucha por la causa, anunciando la partida de defunción de los movimientos guerrilleros de Latinoamerica que en ese momento se gestaban.
A continuación trasncribo la letra de una canción del grupo Soul argentino de los setentas, Alma y vida, "Hoy te queremos cantar".

"Adiós, buscaré tu huella adiós. Y adentro de mí cantaré,
cantaré al recordar, que tu lucha no morirá jamás. (debimos luchar)
Hay cosas que no verás más porque ya no estás, (debimos luchar)
porque te cegaron como un lirio con sus gotas de metal.
Como a un río te dejaron sangrando en la ciudad.
Todos debimos caer Caer sin poder llorar.
Hoy te queremos cantar nadie te puede olvidar,
vos estás vivo en todos, todos, como un sol."

viernes, 5 de octubre de 2007

Lost paraguayos... (una historia triste)

Kimberley sale de estación Miserere, es un día lluvioso y el parquímetro marca multa. En la esquina Uberto Almada espera, él quiere el chipá bien caliente. El micro a Escobar parte a tiempo y el tiempo se muestra tempestuoso. La poli sale en busca de algún ratón para cazar y así pasar el rato y no aburrirse en los días en que la gente no sabe donde ir. Es domingo, la borrasca se cierne sobre la ciudad y una humedad putrefacta, propia de lo que antes eran pantanos, emerge sin piedad al son de Thriller del pedófilo Jackson.
Ube y Kimber se siguen buscando desesperadamente como si fueran Susan. A todo esto, la tarde empieza a caer y ya la risa de Vincent Price se hace presente.
Empieza una canción de Liza Minnelli mezclada con una cumbia del desaparecido grupo Comanche. Un viejo vomita su lasagna en un bar de mala muerte, allende a la calle Catamarca.
Surge un bao propio de la descomposición de un cuerpo gordo y transpirado.
A Kimberly la asaltan unos pendejos en frente al Coto que está en Hipolito Yrigoyen y Jujuy, pero nadie hace nada, sólo está una boliviana vendiendo ajo que se ríe en su cara, mostrando un diente con funda.
Uberto entra, ya cansado de esperar, en un albergue transitorio, en el cual es abusado por un enano de barba roja.
Es de noche, la ciudad ya se muestra hostil y a la vez menos indiferente. Es el código de la noche. Kimbi y Uber están sólos, no se encuentran. Lluvia incesante.
(Gracias a Rod Stewart por ceder tan gentilmente el título de su canción... en honor a vos va la foto.)

jueves, 4 de octubre de 2007

Herzog-Kinski y el fetichismo actoral...

"Usted se cree un director de cine. Usted es un mediocre. Director de enanos!!!..." (Gritaba Kinski, haciendo referencia a la película de Herzog "También los enanos empezaron pequeños").
Estas y otras frases menos gratas son sólo algunas que el actor Klaus Kinski le tiraba como dardos envenenados a un joven director del Nuevo cine Alemán, Werner Herzog.
La dupla que constituyeron, a lo largo de quince años, Herzog y Kinski, siempre dió que hablar y se puede ver reflejada en el excelente documental que Herzog hizo en el '99, (ya muerto Kinski), llamado Mein liebster Feind (traducido al español como "Mi enemigo íntimo").
En este documental, Herzog recorre su relación con el controvertido actor de origen polaco, a lo largo de las 5 películas que filmaron juntos.
Herzog cuenta en el film, que conoció a Kinski, (quien era mas grande), cuando de niño vivía en una pensión con su familia y en la cual el actor alquilaba una pieza. Cuenta como Klaus se paseaba desnudo por los pasillos de la pensión actuando personajes grotescos.
La primer película que filmaron juntos fué Aguirre: Der zorn gottes (La ira de Dios), cuando ya Herzog tenía en su haber algunos filmes de bajo presupuesto pero de un estilo muy personal.
Este filme del año 1972 es para muchos la mejor coparticipación de ambos personajes. Es la historia de un conquistador, Don Lope de Aguirre, quien con un pequeño grupo de soldados españoles decide separarse de la comitiva que llevaba a Pizarro hacia el imperio Inca, y buscar por su cuenta la mítica ciudad del dorado. Su deseo lo llevará a la locura y perdición, (si no es que este personaje ya no estaba loco y perdido en su propio mundo). La película carece de un final definido o que cierre de una forma clara o "Hollywoodense". Sin embargo se ve un claro desenlace trágico. Basta ver al protagonista mirando un monito en su mano para dejar una sensación de insatisfacción que a la vez reconforta.
Demás está decir que Klaus Kinski en el set de rodaje se hizo notar, quejándose de las condiciones en las que había que trabajar (la película está filmada en plena selva Amazónica), mas también discutiéndole al director cuestiones de técnica de filmación asi como de estética.
Cuestión, que el actor quizo dejar el rodaje, lo cual perjudicaba seriamente la filmación y la deuda que eso implicaria para el director con la productora. Herzog, un tipo que lejos era el prototipo de una persona equilibrada, obligó a Kinski a quedarse en el set por las buenas o por las malas y las malas era una escopeta, y no precisamente de utilería.
El actor entonces se quedó en su lugar o "piola" como se dice, pero amenazó que se la cobraría al director. Kinski es definido como alguién que gritaba mucho y a todo el mundo pero cuando se lo apuraba en serio se quedaba callado con cara de odio e impotencia.
En el rodaje también Kinski le rompió la cabeza con una espada a un actor peruano que hacía de español, en una escena en la cual reprime a sus soldados que estaban comiendo en un poblado indio abandonado. El actor peruano muestra en el documental, la cicatriz que el susodicho le dejó en la cabeza.
Las siguientes películas fueron Nosferatu: Phantom der nacht y Woyzeck, ambas películas ya del año 79, son una remake de la película alemana expresionista de los años 20 "Nosferatu", dirigida por Murnau y la adaptación de la obra de teatro homónima de Büchner, respectivamente.
A mi particularmente me gusta mas Woyzeck, la cual muestra a un soldado raso alemán, que es despreciado por todos en el ejercito y sobre todo por su esposa la cual le es infiel con un soldado de rango mayor. La escena final del asesinato me parece simplemente genial.
Por último quedan Fitzcarraldo del 82 y Cobra verde del 87. La última, Cobra verde, ya no es tan contundente narrativa y visualmente como las otras, pero a mi en lo personal me gusta. Es sobre un esclavista Brasileño que parte al Africa a buscar esclavos en una misión que era algo así como su sentencia de muerte ya que el personaje era un bandido del lugar. El final, sin embargo, otra vez deja en silencio a todo el mundo, ya que se vé una deseperación en los movimientos del actor, como si algo realmente le pasara, que no se hasta que punto no fueron reales. Kinski murió pocos años depués de esa película, de un ataque al corazón.
Fitzcarraldo en cambio, para mi no sólo es la mejor participación de este duo de artistas sino que es la mejor película de Herzog y una de las mejores de su década.
En ésta, Fitzcarraldo, un apasionado de la ópera, quiere instalar un teatro para óperas en Iquitos, un poblado en el margen del río Amazonas. Esta vez se repiten varias cosas de su primera participación; la locación (en Perú, río Amazonas), la historia de un tipo que quiere llevar a cabo sus sueños más allá de lo inviables que estos sean y en los cuales su fuerza de voluntad se impone ante cualquier obstáculo aunque sea natural (como en esta película que cruza un barco por tierra de un río a otro.), y por último las locuras que Kinski suscitó en pleno rodaje. Por que como decía Herzog, Kinski quería figurar siempre en todo y cuando no se lo estaba filmando a él o se estaba hablando con algún técnico o sólo que él estaba fuera de alguna cuestión, se ponía como celoso y llamaba la atención gritándo a quien se le cruzara. A veces lo dejaban gritando sólo lo cual lo ponía peor. La actriz italiana que participa en el filme Claudia Cardinale, (más bella a mi gusto que Sofia Loren), dice tener un buen recuerdo del actor y que con ella fué todo un caballero. (No olvidemos que Kisnki era muy aficionado a tener muchas mujeres y hasta sacó un libro que se llamó "Yo necesito amor".)
En el rodaje a Kinski casi lo matan los indios del lugar ya que les molestaba su griterío. El jefe indio le ofreció al propio Herzog matarlo personalmente. Cuentan que estos nativos del lugar, que actúan en la película claro, no le tenían miedo a Kinski cuando daba alaridos de furia sino de la seriedad de Herzog al mirar cara a cara y fijamente al actor, mientras éste le gritaba, sin inmutarse.
Para Herzog, Kinski no murió de un ataque al corazón, sino que simplemente "reventó", explotó esa ira que Kinski siempre tuvo. Sin embargo Herzog no deja de mostrar el lado humano que Kinski tenía, así como su admiración al actor desde su infancia.
El documental termina con una imágen tomada por Herzog, en un descanso del filme Fitzcarraldo , con Kinski jugando con una mariposa que revolotea en su mano. La imágen es sublime y ésta si que habla por mil palabras.
Klaus Kinski (1926-1991).

miércoles, 3 de octubre de 2007

¿Quién lo soñó? ...

de Jabberwocky...

"Era cenora y los flexosos tovos en los relonces giroscopiaban, perfibraban.
Mísvolos vagaban los borogobos y los verdirranos extrarrantes gruchisflaban."

Con ese párrafo comienza el poema del Jabberwocky, en Alicia a través del espejo, del mejor conocido escritor Lewis Carroll. Una verdadera transgresión del uso de las palabras, a las cuales se las llamaba "palabras estuche"
Carroll era un matemático inglés también interesado en la literatura. Y como no podía ser de otra manera sus relatos tienen verdaderos problemas de lógica.
Muy conocido y citado es el diálogo que Alicia sostiene con Tweedledee en el cual ven a un rey durmiendo y este personaje le pregunta a Alicia en que estará soñando aquel rey. Alicia le responde que es imposible saberlo y Twedledee le contesta que sueña con ella y le pregunta donde estaría ella si el rey dejara de soñar. Alicia responde claro, que en el mismo lugar. A lo cual Twedledee le dice que no, que no estaría en niguna parte. "!Si tu no eres mas que un objeto de su sueño! Si el rey despertara te apagarías tss! igual que una vela." A lo que Alicia se pone a llorar.
Los mundos oníricos de este autor van de la mano con análisis de lógica, creando una especie de dicotomía entre el mundo de las sensaciones y el mundo de la razón.
Lo que siempre mas me atrapó de las historias de Alicia son esa capacidad del autor para describir como en el mundo del sueño se transgrede todo tipo de norma y como los escenarios se funden al mejor estilo de un dibujo animado surrealista.
La película de Disney más allá de lo edulcorado, típico del estilo Disney, es bastante fiel, aunque un poco sin tanto énfasis en esa especie de "de-construcción" de los sentidos, que pasa tanto por los diálogos, como vimos en el ejemplo de Twedledee.
Hoy en día se respira en algunos escritores actuales como quizá en el argentino Cesar Aira, esa especie de transgresión de los sentidos, donde un personaje puede ser por ejemplo un conejo fisicoculturista.
En la animación también vemos acercamientos al mundo onírico y pienso mas que nada en El viaje de chihiro, película japonesa, muy bien lograda.
Definitivamente para mí, la literatura del siglo 19 será siempre mi favorita, por esa creación más allá del mundo de lo visible. En Borges podemos ver de forma clara, a alguién que no despreciaba ese tipo de literatura y que la retomó, en pleno siglo 20, llevándola a sus últimas consecuencias.
Quizá sea una visión Romántica, típica de ese siglo, para algunos tal vez escapista y para otros hasta infantil, sin embargo para mí es simplemente la creación de mitos contemporáneos que nos llevan al uso de la imaginación, sín la cual el ser humano nunca hubiera salido de la caverna.

martes, 2 de octubre de 2007

BEATLES FOUR-EVER !! Mi primer disco

Escuchando en la soledad de mi hogar algunos discos de Los Beatles me dije; algo tengo que decir acerca de estos cuatro hijos de puta (en el buen sentido claro).
En realidad, ¿que es lo que queda por decir de Los Beatles?. ¿Que cosa no se dijo ya a lo largo de los últimos cuarenta años, y más, desde que estos cuatro pibes de ese puerto alejado llamado Liverpool aparecieron en el "inconsciente colectivo" del mundo?.
Yo por mi parte, mas que ponerme a alabarlos y a decir que son lo mejor o que son un antes y un después, voy solo a relatar de manera amena y sin estilos literarios mi acercamiento al grupo mas trascendente del rock del siglo 20. Y de la música tal véz? ...
"Corría el año 1997, hace exactos 10 años, yo, un adolescente imberbe y pelilargo, con mis granos caracteristicos de la edad, cursaba primer año en la escuela técnica nº ?, Fernando Fader. En fin, un colegio secundario del barrio de Flores de orientación técnica y de dibujo, con salida en Diseño gráfico. Una mañana primaveral (parecida a la de hoy), antes de entrar a clases, (yo entraba a la tarde), pasé por el musimundo que estaba a unas 6 cuadras por av. Rivadavia, decidido a comprarme algo. Junto con unos compañeros de fuerte tendencia punk, miré discos a rolete. Para mí era una nueva experiencia la de comprar discos, ya que antes solo gastaba mi dinero en historietas y en los videos juegos. De lo que yo escuchaba en ese momento ya no me averguenzo, sobre todo de IIlya Kuriaky & The Valderramas, mas lo que escuchaba también mi hermano y mi viejo. De éste último recordé que una de sus bandas favoritas eran Los Beatles y que según él su primer disco había sido uno que se había comprado de muy jovencito en el cual estaban los cuatro Beatles todos abrigados cagándose de frio y con mirada de "sacá rápido la foto viejo que nos congelamos", en una típica postal Inglesa, mezcla de frío y humedad oceánica.
Por lo tanto, siguiendo los pasos de quien uno en determinada edad toma de modelo en un acto de identificación muy común del hombre con su padre ( o al menos eso decía Freud), no tuve mejor idea que buscarlo en las bateas de Musimundo (no debería pasar el chivo no?). Rápidamente ya que teníamos que entrar a clases, lo compré sin indagar mucho en sus canciones o el nombre, lo pagué y salimos rajando.
Esa tarde con el colegio íbamos de excursión al museo de ciencias naturales de Buenos Aires, situado en el Parque Centenario. No recuerdo bien el por qué, pero en fin, cosas de la secundaria. Si recuerdo que en el micro, llendo hacia el lugar, yo no paraba de mirar mi nueva adquisición. En eso se dió vuelta de su asiento hacia el mío una compañera, Daniela creo que se llamaba, de estilo claramente "rollinga", y me pidió el disco, lo examinó y dijo: "Ahh si, los Beatles, no, pero a mi me gustan Los Rollin'... esta todo bien igual" y me devolvió el disco. Yo, a esto me quedé un poco tieso, pensando un poco... "ahh y a mi que carajo me importa", pero bueno, en fin.
No recuerdo muy bien que pasó esa tarde en el museo y mis compañeros, cuando les preguntaba, estaban divididos entres los que también escuchaban Los Beatles pero no lo decían, los que si lo decían, y a los que les parecía una banda muy "naif"(¿así se escribe?). En fin, eran punks y tenían una reputación que cuidar, en cambio a mí desde ese entonces me tuvieron por un Hippie irredento.
Esa noche volví a mi casa y mostré mi nueva adquisición pero para mi sorpresa, al decirle a mi viejo que me había comprado el mismo que él, me dijo que ese no era, que era otro. Claro, yo había confundido dos tapas. Una es la de "For sale" (el que se había comprado mi viejo) y la otra es la de "Rubber soul" (que me compré yo).
La cuestión es que de todos modos el disco me encantó y así también tuve mi propia identidad al no "seguir los pasos del maestro".
Esta primavera del 2007, después de exactos 10 años me compré, con varios discos en mi haber ya, "For sale", aquel disco que por error no compré en el '97. El ciclo se cerró... creo".

A continuación transcribo una de las mejores canciones para mi de Los Beatles, y que es de ese disco que me compré hace 10 años (Rubber soul)... el tema es Nowhere man:
(La traducción es quizá media bastarda pero la saqué de un librito sobre los Beatles.)

"Él es un auténtico hombre de ningún lugar, sentado en su país de ningún lugar.
Haciendo sus planes de ningún lugar para nadie.
No tiene ningún punto de vista, no sabe a donde va, ¿no es un poco como tú y yo?.
Hombre de ningún lugar por favor escucha, no sabes lo que te pierdes.
Hombre de ningún lugar, el mundo está a tus ordenes.
No puedes estar mas ciego, sólo ve lo que quiere.
Hombre de ningún lugar ¿de verdad que no me ves.?
Hombre de ningún lugar no te preocupes, tomate tu tiempo no corras
Déjalo todo hasta que alguien te heche una mano."
Y bueno después repite...etc etc.
O sea es increible como esta canción que es del '65 explica al hombre actual, como hoy en día nadie está conciente del mundo donde vive, como el hombre se olvidó del hombre. De su identidad y como si vive el día a día en una actitud automática, cuasi-nihilista y de la peor forma.
Por eso... Beatles por siempre !!.

lunes, 1 de octubre de 2007

Charcot y la desmembración..


El poéta se arrodilla. Luego se pone de cuclillas.
Se dobla en una contracción estrepitosa, con una sensación en su interior cuasi-orgásmica.
Se rasca la oreja izquierda y se la queda en la mano.
La oreja se deshace en su palma, tomando una consistencia aguachento amarilla.
De debajo de las uñas de los dedos de sus pies salen agujas al rojo vivo y su famélico rostro parece una pera verde podrida.
Se rasga su camisón blanco y queda desnudo, contra la esquina de su habitación.
La sensación se vuelve icónica y se restaura el orden en presencia del científico mental. Su sola presencia genera en el poéta una sensación de vacío e impotencia. Siente que cada uno de sus miembros se le desprende.
La sombra se acerca, el dolor se intensifica. No hay una salida, sólo La salida, y él la tomará.